Was Sie vom japanischen Minimalismus lernen können

Da unser Leben immer mehr mit Dingen und Unordnung übersättigt ist, wird die Philosophie von weniger ist mehr immer attraktiver. In Japan ist der Minimalismus seit Jahrhunderten Teil der Kunst und Philosophie. Es macht also Sinn, sich von diesem Land inspirieren zu lassen, wie man ein aufgeräumtes Leben führen kann. Ganz gleich, ob Sie sich auf die japanische minimalistische Kunst, den Minimalismus als Designphilosophie für Ihr Zuhause oder auf die Werke moderner Lifestyle-Autoren berufen, Sie werden sicher einen Weg finden, die Prinzipien des japanischen Minimalismus in Ihren Alltag zu integrieren!

Pinienbäume von Tohaku Hasegawa

Der zwischen 1539 und 1610 von Tohaku Hasegawa gemalte Paravent "Pinienbäume" gilt als Nationalschatz Japans. Im Gegensatz zu den prunkvollen Stilen und Trends des späten 16. Jahrhunderts leisteten Werke wie Pine Trees und andere Formen rustikaler, einfacher Kunstpraktiken wie die Teezeremonie ihren eigenen Widerstand gegen die Dekadenz der damaligen Zeit. Diese Wertschätzung des Rustikalen, der Vergänglichkeit und der nicht mit Goldfarbe bemalten Stücke zeigt sich in Pine Trees. Obwohl einige von Hasegawas anderen Werken einen ausgefeilteren Geschmack aufweisen, besteht Pine Trees aus einfachen, schnellen Pinselstrichen, um Raum, Schichten und Licht zu schaffen. Laut einer Interpretation des Tokioter Nationalmuseums stellt das Gemälde aufgrund seiner angeborenen Schlichtheit, des Fehlens von Gold und der Verwendung von Tusche als einziger Ästhetik zur Erzeugung von Tiefe mehr oder weniger die Quintessenz der japanischen Tuschemalerei dar.

Mehr von Hagesawas Werken finden Sie unter Hasegawa Tohaku: Der zeitlose Gigant der japanischen Kunst.

Raku Yaki, Chojiro und Wabi Sabi

In einer ähnlich einzigartigen, rustikalen Art und Weise des späten 16. Jahrhunderts setzt Raku Yaki (Raku-Ware) in seiner bescheidenen Form ein Zeichen. Ursprünglich von Chojiro, dem Gründer der Raku-Familie, handgefertigt, besteht Raku Yaki hauptsächlich aus roten und schwarzen Teeschalen. Diese Teeschalen wurden vom Wabi-Sabi-Tee-Meister Sen no Rikyu angefordert, der einen bescheidenen Lebensstil verkörperte, der Unvollkommenheit und Unvollständigkeit schätzte. Chojiros Werk und die vielen Raku-Yaki-Arbeiten, die in den folgenden Jahren folgten, zeigen eine avantgardistische, strenge Qualität, die wir noch heute mit Wabi Sabi und Minimalismus verbinden. Die Anwendung von etwas Neuem (wenn auch auf subtile Weise) auf etwas Altes, eine leichte Veränderung oder ein kleiner Fehler, der unendlich inspiriert.

Das Moriyama-Haus von Ryue Nishizawa

Viele verweisen gerne auf die japanische Architektur, wenn es um die destillierende Natur ihres Minimalismus geht, der oft auch mit dem Modernen und von Natur aus Überzeugenden assoziiert wird. In ausufernden Städten wie Tokio passt sich das japanische Haus an und versucht (manchmal) auf elegante Weise, einen gewissen Raum der Flexibilität und Funktion zu erhalten. Das Moriyama-Haus tut dies, indem es die Möglichkeit eines gemeinschaftlichen Raums schafft und die Beziehung zwischen Privatem und Öffentlichem hervorhebt. Diese Gruppierung von kleinen Gebäuden, insgesamt zehn, betont die Solidarität eines einzelnen Raums, und doch scheinen die dünnen Wände das Zerbröckeln eines privaten Raums zu implizieren, der sich zu etwas Gemeinsamen entfaltet. Die Stahlverkleidung der Wände wurde absichtlich so gestaltet, dass mehr Innenraum entsteht. Die Verwendung bestimmter Materialien zur Schaffung einer wohnlicheren Umgebung im Chaos von Tokio ist wohl Ausdruck eines minimalistischen Geschmacks, des Wunsches, trotz der sich ständig verändernden, wachsenden und flüchtigen Nachbarschaft da draußen ordentlich zu leben.

Erfahren Sie mehr über japanische Architektur in 5 zeitlosen traditionellen japanischen Häusern.

Ikebana von Toshiro Kawase

"Das ganze Universum ist in einer einzigen Blume enthalten", sagt Ikebana-Künstler Toshiro Kawase. In dieser jahrhundertealten Kunstform sind die Prinzipien, die durchscheinen, minimalistischer Natur. Historisch gesehen begann Ikebana, das japanische Blumenbinden, als eine Art Opfergabe an die Götter, ein Weg, die menschliche Welt mit den heiligen Gegenstücken zu verbinden. Im Laufe der Jahre entwickelte es sich zu einer formalen Praxis des Arrangierens, deren Richtlinien im Laufe der Jahre subtile Veränderungen erfahren haben, insbesondere in Bezug darauf, wie sehr die Regeln eingehalten oder leicht ignoriert werden. Die Beziehung zwischen diesen beiden Extremen wird, neben anderen philosophischen Ideen, in der Gegenüberstellung von Blumen dargestellt, sei es eine Knospe oder ein Stiel.

Versuchen Sie sich selbst an Ikebana: Alles, was Sie über japanische Blumenkunst wissen müssen.

Deja Vu-Hocker von Naoto Fukasawa

Der renommierte Naoto Fukasawa ist Industriedesigner und ein angesehener Künstler der schicken, minimalen Gestaltung von alltäglichen und sonst ganz normalen Gegenständen. Fukasawa entwirft Taschen, Innenräume und verschiedene Arten von Möbeln. Fukasawa, der 2003 sein eigenes Studio gründete und im Vorstand von Unternehmen wie Muji sitzt, ist ein gefragter Designer, weil er den Raum auf einzigartige Weise beherrscht. Der Deja Vu Stool, einer von vielen Hockern und Stühlen mit ähnlichem Namen, sticht hervor und passt doch zu ihm. Sein Design ist nicht so unähnlich dem Gedankengang, dass ein Hocker ein Hocker ein Hocker ist, sondern gefällig und fleißig. Fukasawa wurde 2015 in einem Statement über seine Arbeit zitiert, unbewusstes menschliches Verhalten, ein Konzept, mit dem er weiterhin in jedem Projekt spielt, das er unternimmt, einschließlich der schlichten Eleganz der Deja Vu Hockerfamilie.

Sankai Juku

Die 1975 von Ushio Amagatsu gegründete Butoh-Tanzgruppe Sankai Juku nutzt die Bühne und minimalistische Materialien, um zusätzlich zur Choreografie der Körper eine Geschichte zu erzählen. In ihrer Performance Umusuna (ein altes Wort für Geburtsort) bedeckt eine Sandschicht die Bühne und fällt kontinuierlich von oben in die Bühnenmitte. Am Ende des Tanzes hat sich der Sand bewegt, und das Publikum kann die Auswirkungen der Bewegungen der Tänzer deutlich sehen. In einem Interview mit Amagatsu in der Zeitschrift WochiKochi sagt er: "Mir gefällt die Idee einer Bühnenkunst, die sich mit der Zeit verändert. Deshalb verwende ich Dinge wie Sand oder Wasser, die greifbare Qualitäten in meine Arbeit bringen." Im Gegensatz zu anderen Bühnenwerken und ganz im Gegensatz zu unserem eigenen modernen Zeitkonzept verwischt Sankai Juku unsere Vorstellung von Zeit, die an verschiedenen Orten existiert, kombiniert Jahreszeiten und bricht lineare Strukturen auf. Im Routledge Companion to Butoh Performance heißt es: "So wird ein bestimmter Moment nicht mit der Zeit obsolet". Auf diese Weise ist alles gegenwärtig.

Paris-New York-Zeichnung Nr. 144 von On Kawara

On Kawara ist bekannt dafür, dass er sich ausschließlich über seine Arbeit definiert (seine Abwesenheit ist auf seinen eigenen Ausstellungen zu spüren) und hat sein eigenes Leben akribisch und ohne viel Aufhebens dokumentiert. Dies zeigt sich in der schieren Menge seiner Werke, die sich auf etwa 3.000 Einzelstücke beläuft. Seine Hingabe und Konsequenz war einer meditativen Praxis nicht unähnlich, wobei die von ihm geschaffenen Projekte das Alltägliche und fast Alltägliche hervorheben, wenn auch in leichter Variation. Die Zeichnung Paris-New York Nr. 144 ist eine von 200 Zeichnungen, die er in den 1960er Jahren auf seinen Reisen zwischen Paris und New York anfertigte. Die Zeichnung scheint in ihrer Leichtigkeit und gitterartigen Darstellung auf die minimalistische Malerin Agnes Martin zu verweisen. Trotz der scheinbaren Einfachheit dieser Werke vermitteln die Paris-New York Drawings ein beunruhigendes Gefühl. Kawaras Graphit- und Farbstiftzeichnungen auf Papier sind ein krasses Beispiel für den Minimalismus bei figurativen, langfristigen Arbeiten. Sein späteres Werk spielt weiterhin mit diesen Ideen, wenn auch mit mehr lyrischer Aufmerksamkeit mit Titeln wie Title, Today Series, und I am still alive. Später wird er einer der Künstler sein, die das definieren, was heute als "Konzeptkunst" bezeichnet wird.

Endgültige Heimat von Kosuke Tsumura

Der Modedesigner und Kenner dystopischer Marken Kosuke Tsumura richtet seine Kreationen auf die Idee der Nachhaltigkeit und der Nutzfunktion aus. In Final Home finden wir eine Jacke mit Taschen, Reißverschlüssen und einer idealen Platzierung von Überlebenswerkzeugen, die für den tatsächlichen apokalyptischen Gebrauch gedacht ist, aber auch provozieren soll. Interessanterweise werden Tsumuras Arbeiten häufiger als Projekte denn als Marke identifiziert. Ein Beispiel dafür ist Final Home, wo eine Jacke ein Ort zum Leben ist, ein Konzept für eine mobile Ruhestätte, falls und wenn alles andere in Vergessenheit gerät. Während Marken aus der Produktion und dem Verkauf vieler Produkte Kapital schlagen, steht bei der Jacke von Final Home das Einzelstück im Vordergrund. Es ist der einzige Gegenstand, den Sie jemals brauchen werden. Der hohe Verkaufspreis macht sie jedoch für diejenigen unerschwinglich, die sie tatsächlich brauchen. Um dem entgegenzuwirken, legt Tsumura jedem Kauf eine Karte bei, die den Besitzer auffordert, das Kleidungsstück nicht wegzuwerfen, sondern es zum Recyceln und Wiederverwenden an den ursprünglichen Hersteller zurückzubringen. Nachdem das Kleidungsstück zurückgegeben wurde, gibt Tsumura es an diejenigen weiter, die es am dringendsten benötigen.

Die lebensverändernde Magie des Aufräumens von Marie Kondo

Das Buch The Life-Changing Magic of Tidying Up (Die lebensverändernde Magie des Aufräumens), international bekannt durch die Netflix-Serie Tidying Up With Marie Kondo, die zur Sensation wurde, war der Beginn eines sehr sichtbaren Minimalismus-Trends im Jahr 2011. Marie Kondo ist eine selbsternannte Aufräumberaterin, die ihren Fans und Kunden gleichermaßen rät, mit Bedacht aufzuräumen und ihrem Leben letztlich eine gesunde, heilsame Wende zu geben. Der Begriff Spark Joy schwirrt immer noch durch die Meme-Ecken und taucht beiläufig in Alltagsgesprächen auf. Die Wirkung dieser Art von Minimalismus erinnert uns daran, dass eine Idee konsumierbar ist, und zwar in dem Maße, wie wir sie in unser Leben übernehmen. Auf diese Weise ist Tidying Up with Marie Kondo eine Form des kapitalistischen, wenn auch zugänglichen Minimalismus, der zu unserem eigenen wird. Das Buch selbst lehrt mehr als nur das Aufräumen: Konmari betont, wie wichtig es ist, eine Absicht zu haben und seinen Geist in Ordnung zu bringen, was bedeutet, dass der Rest folgen wird. An erster Stelle steht die Philosophie des Wegwerfens, die im Einklang mit minimalistischen Tendenzen und Freude ist alles.

Goodbye Things von Fumio Sasaki

Im Gegensatz zur professionellen Nahtlosigkeit von Marie Kondo vermittelt Fumio Sasaki den Eindruck, dass er sein Leben nicht im Griff hat, zumindest hatte er das früher nicht. Seine Methode des Mottainai und weniger ist mehr ist eher eine Reaktion auf ein Leben, das ihm keine ständige Freude bereitete (Was ist Mottainai? Japans umweltfreundliche Philosophie). In seinem Buch Goodbye, Things wird der Leser in eine sehr persönliche und nachvollziehbare Geschichte der Veränderung entführt. Ähnlich wie Marie Kondo gibt er Ratschläge, wie man sein Leben verändern kann, und betont, wie wichtig es ist, seine Umgebung zu verändern, um ein Leben zu führen, das einem mehr Frieden bringt. Sasakis Buch wurde 2015 veröffentlicht, in einer Zeit, in der die minimalistische Lebensweise an sich schon eine Bewegung, ein Lebensstil, eine Marke ist; sie liegt im Trend. Aber sein Ziel ist klar: Er will sie für alle zugänglich machen und ihr den kapitalistischen Glanz nehmen. In einem Artikel der Japan Times wird Sasaki zitiert: "Ob wir nun allein oder mit anderen Menschen zusammenleben, nur wenige nehmen die Anwesenheit eines weiteren Mitbewohners wahr", schreibt Sasaki. "Dieser Mitbewohner heißt 'Things', und der Raum, den 'Things' einnimmt, ist normalerweise viel größer als der Raum, den die Menschen für sich selbst haben."