Sōsaku-hanga

Sōsaku-hanga (創作版画, "kreative Drucke") war eine Kunstbewegung des Holzschnitts, die im Japan des frühen 20. Jahrhunderts in Japan entstand. Sie betonte den Künstler als alleinigen Schöpfer, der sich selbst ausdrücken wollte, und vertrat die Prinzipien:

• der "selbst gezeichneten" (自画 jiga),
• "selbst geschnitzten" (自刻 jikoku)
• und "selbst gedruckten" (自摺 jizuri) Kunst.

Im Gegensatz zur parallelen shin-hanga-Bewegung ("neue Drucke"), die das traditionelle System der Zusammenarbeit zwischen Künstler, Schnitzer, Drucker und Verleger beibehielt, profilierten sich die kreativen Druckgrafiker als Schöpfer von Kunst um der Kunst willen.

Die Geburtsstunde der sōsaku-hanga-Bewegung schlug 1904 mit Kanae Yamamotos (1882-1946) Kleindruck "Fischer".

In Abkehr vom System der Ukiyo-e-Kollaboration stellte Yamamoto den Druck allein her: Er zeichnete, schnitzte und druckte das Bild.

Diese Prinzipien des "selbst gezeichneten", "selbst geschnitzten" und "selbst gedruckten" Bildes wurden zur Grundlage der Bewegung, die im Japan der Vorkriegszeit um ihre Existenz kämpfte und im Japan der Nachkriegszeit als echter Erbe der Ukiyo-e-Tradition ihren Aufschwung und ihre Blüte erlebte.

Die Kunstbiennale von São Paulo 1951 war Zeuge des Erfolgs der kreativen Grafikbewegung.

Die beiden japanischen Preisträger Yamamoto und Kiyoshi Saitō (1907-1997) waren Druckgrafiker, die die japanische Malerei (nihonga), die westliche Malerei (yōga), die Skulptur und die Avantgarde übertrafen.

Andere sōsaku-hanga-Künstler wie Kōshirō Onchi (1891-1955), Un'ichi Hiratsuka (1895-1997), Sadao Watanabe (1913-1996) und Maki Haku (1924-2000) sind auch im Westen sehr bekannt.

Ursprünge und frühe Jahre

Die Bewegung des kreativen Drucks war eine der vielen Erscheinungsformen des Aufstiegs des Individuums nach Jahrzehnten der Modernisierung. Sowohl in künstlerischen als auch in literarischen Kreisen entstanden um die Jahrhundertwende Ausdrucksformen des "Selbst". I

m Jahr 1910 ermutigte Kōtarō Takamura (1883-1956) in seinem Werk "Eine grüne Sonne" die Künstler zum individuellen Ausdruck:

"Ich wünsche mir die absolute Freiheit der Kunst. Deshalb erkenne ich die grenzenlose Autorität der Individualität des Künstlers an ... Selbst wenn zwei oder drei Künstler eine "grüne Sonne" malen sollten, würde ich sie niemals kritisieren, denn ich selbst könnte eine grüne Sonne sehen".

1912 stellte Natsume Sōseki (1867-1916) in "Bunten und die schöpferischen Künste" (Bunten to Geijutsu) fest, dass "Kunst mit dem Ausdruck des Selbst beginnt und mit dem Ausdruck des Selbst endet".

Diese beiden Aufsätze markieren den Beginn der intellektuellen Diskussion über das "Selbst", die sofort ein Echo in der Kunstszene fand. 1910 erschien zum ersten Mal die Monatszeitschrift Weiße Birke (Shirakaba), die wichtigste Zeitschrift, die das Denken der Taishō-Zeit prägte. Im selben Jahr organisierten aufstrebende junge Künstler ihre erste Ausstellung. Shirakaba förderte auch Ausstellungen westlicher Kunst.

In ihren Anfangsjahren kämpfte die sōsaku-hanga-Bewegung wie viele andere Bewegungen, z. B. der shin-hanga, der Futurismus und die proletarische Kunst, ums Überleben, um Experimente und um eine Stimme in einer Kunstszene, die von den Mainstream-Künsten dominiert wurde, die von der Bunten (Japanischen Kunstakademie) gut aufgenommen wurden.

Der Hanga im Allgemeinen (einschließlich des Shin-Hanga) erreichte in Japan nicht den Status der westlichen Ölgemälde (yōga). Hanga wurde als ein Handwerk betrachtet, das Gemälden und Skulpturen unterlegen war. Während des Höhepunkts des Japonismus wurden Ukiyo-e-Holzschnitte immer als bloße Reproduktionen für den kommerziellen Massenkonsum betrachtet, im Gegensatz zur europäischen Auffassung von Ukiyo-e als Kunst.

Für sōsaku-hanga-Künstler war es unmöglich, ihren Lebensunterhalt nur mit kreativen Grafiken zu verdienen.

Viele der später berühmten sōsaku-hanga-Künstler, wie z. B. Kōshirō Onchi (der auch als Vater der kreativen Druckgrafik-Bewegung bezeichnet wird), waren Buchillustratoren und Holzschnitzer. Erst 1927 wurde der Hanga von den Teiten (den ehemaligen Bunten) anerkannt. Im Jahr 1935 wurden schließlich außerschulische Hanga-Kurse zugelassen.

Kriegszeit

Die Kriegsjahre von 1939 bis 1945 waren eine Zeit der Metamorphose für die kreative Druckbewegung. Die First Thursday Society, die für die Wiederbelebung der japanischen Druckgrafik in der Nachkriegszeit von entscheidender Bedeutung war, wurde 1939 von einer Gruppe von Personen gegründet, die sich einmal im Monat im Haus von Kōshirō Onchi in Tokio trafen, um über Themen des Holzschnitts zu diskutieren.

Zu den ersten Mitgliedern gehörten Gen Yamaguchi (1896-1976) und Jun'ichirō Sekino (1914-1988).

Auch die amerikanischen Kenner Ernst Hacker, William Hartnett und Oliver Statler nahmen daran teil und trugen dazu bei, das westliche Interesse an japanischen Grafiken wiederzubeleben.

Die First Thursday Collection (Ichimoku-shū), eine Sammlung von Grafiken der Mitglieder, die untereinander zirkulieren sollten, wurde 1944 herausgegeben. Die Gruppe bot in den schwierigen Kriegsjahren, als die Ressourcen knapp und die Zensur streng war, Kameradschaft und einen Ort des künstlerischen Austauschs und der Inspiration.

Kreative Druckgrafikbewegung der Nachkriegszeit

Die Wiedergeburt der japanischen Grafik fiel mit der Wiedergeburt Japans nach dem Zweiten Weltkrieg zusammen. Während der Besetzung der Inseln kauften und sammelten die amerikanischen Soldaten und ihre Frauen japanische Drucke als Souvenirs.

Man kann sagen, dass die japanische Druckgraphik eine der Komponenten des wirtschaftlichen Wiederaufbaus nach dem Krieg wurde.

Mit dem Ziel, die "demokratische Kunst" zu fördern, verlagerte sich das amerikanische Mäzenatentum von den traditionelleren shin-hanga zu den moderneren sōsaku-hanga. Abstrakte Kunst war während des Krieges von der Militärregierung verboten worden, aber nach dem Krieg wandten sich Künstler wie Kōshirō Onchi ganz der abstrakten Kunst zu.

Um 1950 war die Abstraktion die Hauptform der kreativen Druckgrafikbewegung, und die japanische Druckgrafik wurde als eine echte Verschmelzung von Ost und West wahrgenommen.

Die Kunstbiennale von São Paulo 1951 war Japans erster Beitrag zu einer internationalen Ausstellung nach dem Krieg. Bemerkenswerte Künstler wie Shikō Munakata (1903-1975) und Naoko Matsubara (geb. 1937) arbeiteten in der Tradition der Volkskunst (mingei) und hatten Einzelausstellungen in den Vereinigten Staaten.

Zeitgenössische japanische Grafiken

Die zeitgenössischen japanischen Grafiken weisen eine große Vielfalt an Themen und Stilen auf. Tetsuya Noda (geb. 1940) nutzt die Fotografie und stellt in seinen Grafiken Alltagsqualitäten in Form von fotografischen Tagebüchern her.

Künstler wie Maki Haku (1924-2000) und Shinoda Toko (geb. 1913) verbinden Kalligraphie und abstrakten Ausdruck und schaffen auffallend schöne und heitere Bilder. Sadao Watanabe arbeitete in der Tradition der Mingei (Volkskunst) und verband in seinen einzigartigen Bibeldrucken buddhistische Figurendarstellungen mit dem westlichen Christentum.

Ab den 1960er Jahren verwischte die Grenze zwischen bildender Kunst und kommerziellen Medien. Pop- und Konzeptkünstler arbeiten mit professionellen Technikern zusammen, und die Möglichkeiten für Innovationen sind endlos.

Bemerkenswerte sōsaku hanga-Künstler

• Okiie Hashimoto
• Azechi Umetarō
• Eiichi Kotozuka
• Un'ichi Hiratsuka
• Itow Takumi
• Kitaoka Fumio
• Yasuhide Kobashi
• Sakuichi Fukazawa
• Masao Maeda
• Toshirō Maeda
• Senpan Maekawa
• Maki Haku
• Matsubara Naoko
• Yoshitoshi Mori
• Shikō Munakata
• Hajime Namiki
• Tetsuya Noda
• Gihachiro Okuyama
• Kōshirō Onchi
• Saitō Kiyoshi
• Kihei Sasajima
• Sekino Jun'ichirō
• Takumi Shinagawa
• Toko Shinoda
• Hiroyuki Tajima
• Tomikichirō Tokuriki
• Sadao Watanabe
• Gen Yamaguchi
• Kanae Yamamoto
• Hodaka Yoshida
• Tōshi Yoshida
• Suwa Kanenori
• Fujimori Shizuo
• Kiichi Okamoto
• Tadashige Ono